Jean-Luc KUCZYNSKI

Toute musique basée sur la tonalité et les modes, qu’elle soit classique, jazz, chanson ou autre dispose des même sept accords. Leur structure est relativement simple et strictement identique dans toutes les musiques. Toutefois, leurs chiffrages ou leurs notations différent et peuvent sembler parfois d’un abord complexe. Dans cette petite mise point, nous nous intéresserons d’abord aux chiffrages américains, utilisés en jazz et en musique de variété puis au prochain article, au chiffrage classique de la basse continue.

Suivre la musique sur une partition d’orchestre est plus aisé qu’on ne pense avant de s’y être essayé. Toutefois, il importe de connaître certaines conventions de présentation qui régissent l’écriture d’une telle partition. Cet article présente les principales indications instrumentales à connaître et leur évolution, pour vous permettre, élèves de Polyphonies, de vous appuyer sur ce mémo, non seulement lorsque vous suivez la partition de l’œuvre que vous écoutez (activité que nous ne conseillerons jamais assez), mais aussi dans vos propres recherches en écriture ou vos travaux d’orchestration.

Nos élèves parvenus en cours de composition analysent régulièrement des pièces musicales. Cette présentation est donc plutôt destinée à leurs cadets qui suivent les cours d’écriture musicale. Ceux-ci pourront mieux percevoir l’usage fait de l’harmonie dans les cours de composition musicale.

De tous temps, la variation a été un genre musical très prisé des compositeurs. Elle offre en effet des possibilités de renouvellement mélodique ou harmonique quasi illimitées. Poursuivons donc l’étude du premier mouvement de la sonate pour piano k331 de Mozart, dont nous avons déjà abordé le thème dans un précédent article, par l’analyse de la première des six variations. Et découvrons également l’art de la variation de Mozart. lire l’article

Après avoir abordé les chiffrages américains, nous abordons un autre système de notation des accords également destiné aux instrumentistes : la basse continue qui est devenue la basse chiffrée. Il est intéressant de comprendre son principe car cette technique d’écriture a généré le chiffrage qui a cours dans les traités d’harmonie classique.

Lors de mes études d’harmonie en France et en Allemagne, il a été fait mention de sujets que vous ne semblez pas aborder en harmonie. Je veux parler entre autres des marches harmoniques, des sixtes altérées comme la sixte napolitaine ou bien des accords de 9èmes. Tous ces éléments étaient considérés comme importants - ou du moins inhérents à l’étude de l’harmonie, allons nous les étudier durant notre formation ? Lire la réponse

Avec ce troisième article, nous pénétrons enfin pleinement dans l’analyse musicale. L’harmonie que nous avons abordé dans les deux articles précédents en fait partie mais n’est qu’un élément de cette recherche. Nous allons donc aborder maintenant l’étude de la forme musicale, à savoir comment ce thème de dix huit mesures, extrait du premier mouvement de la sonate K331 pour piano de Mozart, a été élaboré.

Une question d’analyse et de musicologie nous a été soumise par Annik, élève de Polyphonies sur notre forum. Elle concerne la mesure 4 de la fugue 24 BWV 869 en si mineur du Clavier bien tempéré de Jean-Sébastien Bach.

Les traités d’harmonie classique comme ceux de Dubois, Bitch ou Challans, ont repris la technique de la basse chiffrée pour chiffrer les accords. La basse chiffrée consiste, je le rappelle, à placer un chiffrage au-dessous de la note de basse permettant d’identifier l’accord. Lire l’article

Les symboles "poussez" ou "tirez" dans une partie de cordes définissent la direction du coup d’archet donné par l’instrumentiste. Ils sont importants car ils affectent directement l’attaque de la note et donc sa sonorité. Exemple : les premières mesures de la symphonie n°40 de W.A.Mozart. Lire la suite

Nous poursuivons la découverte de l’improvisation en abordant cette fois ses aspects pratiques. Par cet article, j’aimerai aussi susciter chez nos étudiants qui ne la connaissent pas le désir d’expérimenter cette discipline. lire l’article

Voici une sélection d’œuvres incontournables, classiques et contemporaines, que nous vous conseillons d’écouter et de lire en vous procurant les partitions (lorsque cela est possible, pour une majorité des œuvres présentées). Ce lexique traverse toute l’histoire de la musique occidentale (de Guillaume de Machaut à Pascal Dusapin). Il est enrichi régulièrement de dossiers musicologiques vers lesquels pointent les hyperliens indiqués sur l’œuvre, le compositeur ou l’époque. Nous conseillons de vous y plonger de temps en temps, et de la garder sous le coude tout au long de votre formation ! MISE A JOUR : juin 2015 Lire l’article

"Dans mes exercices de contrepoint, je voudrais écrire des lignes mélodiques indépendantes d’un point de vue métrique. Je voudrais avoir par exemple dans la même portée une ronde et deux blanches. Comment faire ?" Lire l’article

"Comment peut-on dans Finale placer une seule ligature entre des notes placées sur deux portées différentes ?" Lire la réponse

"Lors des corrections des exercices de composition, vous insistez souvent sur la nécessité d’avoir une bonne culture musicale. Comment faire pour l’améliorer ?" Dans le domaine des arts, la création dépend étroitement de la culture de l’artiste. Sans celle-ci d’ailleurs, l’œuvre artistique ne peut voir le jour ou reste à un état des plus sommaires. Lire l’article

"Dans le cours 49, vous indiquez au sujet de l’accord II minoré, dit de "sixte napolitaine", qu’il s’enchaîne très souvent à l’accord V, et parfois à l’accord I. On peut donc en déduire que l’enchaînement II minoré-I n’est pas une fausse cadence ?"

Dans Finale, placer des triolets ou des quintolets n’est pas très aisé. Y a t-il des manières plus rapides de les employer ? En effet, on peut créer de nombreux raccourcis clavier qui, dans Finale, s’appellent les méta-outils. On peut en créer pour toute valeur métrique, triolets, quintolets, sextolets, etc. Lire la réponse

Peut-être avez vous tenté de réaliser une analyse harmonique de ce thème de Mozart, après la lecture de notre article précédent. Je l’avoue volontiers à ceux qui n’ont pas encore abordé le contrepoint ; il n’est pas simple d’y repérer les accords. Ce thème est en fait une véritable polyphonie. Notre second article est là pour vous initier :-). Il vous permettra d’y voir plus clair et de mieux comprendre l’articulation harmonique d’une pièce classique. Lire l’article

"Qu’est ce qu’une articulation harmonique ? Les cadences plagales, sous plagales, rompues ou imparfaites conviennent t-elles ? Suffit-il d’avoir de part et d’autre de la barre de mesure des accords différents et "cadentiels", mais qu’est-ce qu’un accord cadentiel tout seul ?" Lire la réponse

"Je voudrais savoir si, en composant la partie vocale d’un lied (cours 59), on peut aller au-delà de la tessiture des cours de contrepoint. Dans ses lieder pour soprane ou ténor, Schubert emploie le sol aigu, un ton au-dessus de la limite ré-fa imposée dans les exercices de contrepoint. Peut-on en faire autant ?" Lire la réponse

"Vous m’aviez dit au téléphone que vous étiez plutôt "visuel", mais n’y a t ’il pas au final un contrôle auditif, même sur mes exercices de contrepoint ? Quelle serait leur importance respective ? Pourrait-on dire par exemple que l’écoute est un but et le visuel un moyen ?" Lire la réponse

En réalisant nos premiers exercices sur le mode, certains élèves font parfois un raccourci erroné. A partir de l’armature de l’exercice, ils déduisent simultanément le mode et la tonalité affirmant par exemple qu’un exercice dont l’armature comporte un # à la clé, est en sol majeur. Or, l’armature indique la tonalité et non le mode. D’autres éléments musicaux sont nécessaires en effet pour le définir. Avec la seule armature comme indication, un # à la clé par exemple, nous pouvons simplement affirmer que nous sommes en tonalité de sol mais surtout pas que la tonalité est sol majeur. Un petit point sur ces deux notions, mode et tonalité, sera à mon avis source d’éclaircissement. Ce sera aussi l’occasion pour nous d’aborder la notion d’atonalité. Lire la réponse

A partir d’exemples issus d’œuvres de Bach, Mozart, Beethoven, Brahms et Britten, je vous propose d’aborder avec cet article le développement du schème en composition musicale. Je laisserai donc de côté en principe la forme musicale et l’harmonie afin de porter principalement notre attention sur le schème. Les deux exemples par lesquels nous commençons sont tirés d’une Sonate pour violon seul de Bach et du Requiem de Mozart. Mais rappelons tout d’abord la définition du schème. lire l’article