Jean-Luc KUCZYNSKI

Toute musique basée sur la tonalité et les modes, qu’elle soit classique, jazz, chanson ou autre dispose des même sept accords. Leur structure est relativement simple et strictement identique dans toutes les musiques. Toutefois, leurs chiffrages ou leurs notations différent et peuvent sembler parfois d’un abord complexe. Dans cette petite mise point, nous nous intéresserons d’abord aux chiffrages américains, utilisés en jazz et en musique de variété puis au prochain article, au chiffrage classique de la basse continue.

Suivre la musique sur une partition d’orchestre est plus aisé qu’on ne pense avant de s’y être essayé. Toutefois, il importe de connaître certaines conventions de présentation qui régissent l’écriture d’une telle partition. Cet article présente les principales indications instrumentales à connaître et leur évolution, pour vous permettre, élèves de Polyphonies, de vous appuyer sur ce mémo, non seulement lorsque vous suivez la partition de l’œuvre que vous écoutez (activité que nous ne conseillerons jamais assez), mais aussi dans vos propres recherches en écriture ou vos travaux d’orchestration.

Après avoir abordé les chiffrages américains, nous abordons un autre système de notation des accords également destiné aux instrumentistes : la basse continue qui est devenue la basse chiffrée. Il est intéressant de comprendre son principe car cette technique d’écriture a généré le chiffrage qui a cours dans les traités d’harmonie classique.

Avec ce troisième article, nous pénétrons enfin pleinement dans l’analyse musicale. L’harmonie que nous avons abordé dans les deux articles précédents en fait partie mais n’est qu’un élément de cette recherche. Nous allons donc aborder maintenant l’étude de la forme musicale, à savoir comment ce thème de dix huit mesures, extrait du premier mouvement de la sonate K331 pour piano de Mozart, a été élaboré.

Nos élèves parvenus en cours de composition analysent régulièrement des pièces musicales. Cette présentation est donc plutôt destinée à leurs cadets qui suivent les cours d’écriture musicale. Ceux-ci pourront mieux percevoir l’usage fait de l’harmonie dans les cours de composition musicale. Lire l’article

Les traités d’harmonie classique comme ceux de Dubois, Bitch ou Challans, ont repris la technique de la basse chiffrée pour chiffrer les accords. La basse chiffrée consiste, je le rappelle, à placer un chiffrage au-dessous de la note de basse permettant d’identifier l’accord. Lire l’article

De tous temps, la variation a été un genre musical très prisé des compositeurs. Elle offre en effet des possibilités de renouvellement mélodique ou harmonique quasi illimitées. Poursuivons donc l’étude du premier mouvement de la sonate pour piano k331 de Mozart, dont nous avons déjà abordé le thème dans un précédent article, par l’analyse de la première des six variations. Et découvrons également l’art de la variation de Mozart. lire l’article

"Mon audition intérieure n’est pas très bonne. Est il nécessaire de la développer dans le cadre de ma formation d’écriture et comment dois-je procéder ?" Lire la réponse

Lors de mes études d’harmonie en France et en Allemagne, il a été fait mention de sujets que vous ne semblez pas aborder en harmonie. Je veux parler entre autres des marches harmoniques, des sixtes altérées comme la sixte napolitaine ou bien des accords de 9èmes. Tous ces éléments étaient considérés comme importants - ou du moins inhérents à l’étude de l’harmonie, allons nous les étudier durant notre formation ? Lire la réponse

Q : Je connais pour ma part le repos sur la dominante sous le nom de "demi-cadence" et non "cadence imparfaite". La cadence imparfaite est pour moi une cadence V-I dans laquelle un des 2 accords est sous forme de renversement. Y a-t’il une raison particulière à cette différence de terminologie ? lire la réponse

Peut-être avez vous tenté de réaliser une analyse harmonique de ce thème de Mozart, après la lecture de notre article précédent. Je l’avoue volontiers à ceux qui n’ont pas encore abordé le contrepoint ; il n’est pas simple d’y repérer les accords. Ce thème est en fait une véritable polyphonie. Notre second article est là pour vous initier :-). Il vous permettra d’y voir plus clair et de mieux comprendre l’articulation harmonique d’une pièce classique. Lire l’article

"Comment peut-on dans Finale placer une seule ligature entre des notes placées sur deux portées différentes ?" Lire la réponse

"Lors des corrections des exercices de composition, vous insistez souvent sur la nécessité d’avoir une bonne culture musicale. Comment faire pour l’améliorer ?" Dans le domaine des arts, la création dépend étroitement de la culture de l’artiste. Sans celle-ci d’ailleurs, l’œuvre artistique ne peut voir le jour ou reste à un état des plus sommaires. Lire l’article

On me demande souvent des conseils sur les méthodes de solfège en général et notamment celles qui permettent d’acquérir une meilleure écoute intérieure. Voici GNU Solfège, logiciel gratuit et disponible en français, qui offre un très grand nombre d’exercices "d’entraînement de l’oreille". Lire l’article

Dans l’article précédent "Lire une partition d’orchestre" (même rubrique), nous avons découvert la partition d’orchestre : Présentation de l’orchestre, disposition instrumentale sur une partition d’orchestre, nom des instruments, etc... Abordons maintenant la réalisation d’une orchestration avec l’analyse des premières pages de l’ouverture des « Noces de Figaro » de Mozart. Lire l’article

"Jusqu’à présent je m’efforçais de pouvoir chanter les mélodies des exercices avant de les vérifier éventuellement au piano. Ce travail d’audition intérieure est-il indispensable, ou peut-on se contenter d’une vérification en "mode graphique", quitte ensuite à écouter ce que ça donne au clavier, comme ce que vous conseillez pour les exercices d’harmonie ?  J’ai remarqué que ce travail "à la sourde" (comparable un peu à "l’écriture automatique") est intéressant et réserve des surprises (trop consciemment, j’ai tendance, comme je suppose tout le monde, à répéter sans vraiment m’en rendre compte des "formules" déjà entendues). Mais faut-il, dans le cadre de ces exercices, le privilégier ou au contraire essayer de tendre à la maîtrise consciente de ce que l’on écrit - donc toujours pouvoir chanter ces mélodies ? Lire la réponse

"Il me semble que la sensible monte toujours vers la tonique. Or j’ai constaté que dans les parties intérieures des exercices que j’ai réalisés ce n’est pas toujours le cas. Ceci est d’autant plus visible que dans les tonalités mineures, les sensibles sont altérées"... Lire la réponse

Les symboles "poussez" ou "tirez" dans une partie de cordes définissent la direction du coup d’archet donné par l’instrumentiste. Ils sont importants car ils affectent directement l’attaque de la note et donc sa sonorité. Exemple : les premières mesures de la symphonie n°40 de W.A.Mozart. Lire la suite

"Je voudrais savoir si, en composant la partie vocale d’un lied (cours 59), on peut aller au-delà de la tessiture des cours de contrepoint. Dans ses lieder pour soprane ou ténor, Schubert emploie le sol aigu, un ton au-dessus de la limite ré-fa imposée dans les exercices de contrepoint. Peut-on en faire autant ?" Lire la réponse

"Je ne peux pas faire tenir un nombre suffisant de mesures dans un même système. Comment faire ?" Lire l’article

En réalisant nos premiers exercices sur le mode, certains élèves font parfois un raccourci erroné. A partir de l’armature de l’exercice, ils déduisent simultanément le mode et la tonalité affirmant par exemple qu’un exercice dont l’armature comporte un # à la clé, est en sol majeur. Or, l’armature indique la tonalité et non le mode. D’autres éléments musicaux sont nécessaires en effet pour le définir. Avec la seule armature comme indication, un # à la clé par exemple, nous pouvons simplement affirmer que nous sommes en tonalité de sol mais surtout pas que la tonalité est sol majeur. Un petit point sur ces deux notions, mode et tonalité, sera à mon avis source d’éclaircissement. Ce sera aussi l’occasion pour nous d’aborder la notion d’atonalité. Lire la réponse

« En principe les indications de tempo (andante, allegro, etc) sont données à la noire. Cependant, et dans l’interprétation au piano des variations en 2/4 du thème varié en do M de Haydn Hob. XVII-5 (cours 53), ces indications, en vue de répondre au caractère de chaque pièce, correspondent grosso-modo à la croche... comme si on était en 4/4. Vous avez une explication ? » Lire la réponse

Un ami musicien de jazz m’affirme que la musique classique n’existerait pas sans l’écriture au contraire du jazz qui est une musique improvisée. Cela me semble exagéré car il doit y avoir probablement des relations entre l’écriture et l’improvisation ? Qu’en pensez vous ? Lire la réponse

"Dans le cours 49, vous indiquez au sujet de l’accord II minoré, dit de "sixte napolitaine", qu’il s’enchaîne très souvent à l’accord V, et parfois à l’accord I. On peut donc en déduire que l’enchaînement II minoré-I n’est pas une fausse cadence ?"

"Pour mes exercices de composition, j’aurai voulu supprimer les silences qui se placent automatiquement dans les portées vierges. Comment puis-je faire ?" Lire la réponse